miércoles, abril 18, 2012

Temario 2011/12


I.E.S. PÉREZ GALDÓS                      2º BACH.       LENGUAJE Y PRÁCTICA MUSICAL

                           TEMARIO GENERAL CURSO

Música y Artes escénicas. El montaje de una obra musical.
1.  Las artes escénicas:
·       Concepto y evolución de las artes escénicas.
·       El escenario: Tipos de escenarios. Partes del escenario.
.     El espectáculo escénico: Tipos de elementos. Los equipos de trabajo
.     La música en el contexto de las artes escénicas: La música en diferentes tipos de espectáculos escénicos.

2.   El diseño de un espectáculo escénico:
2.1   Determinación de sus elementos constitutivos: dramáticos y teatrales; musicales; coreográficos; escenográficos.
2.2 El diseño musical:
·  Determinación de los elementos sonoros y musicales que intervienen en la obra.
·  Práctica y adquisición del repertorio instrumental, vocal y coreográfico necesario.


TEMAS PAU

Tema 1: La voz y los instrumentos.
- La voz:
  .  Clasificación de las voces.
  .  Técnicas de emisión de voz. Voz natural y técnicas de falsete.
  .  Respiración, emisión y articulación.

- Los instrumentos:
  . Clasificación de los instrumentos, (cordófonos, aerófonos, membranófonos, idiófonos y electrófonos).
      . Conceptos básicos de la teoría instrumental: Timbre, registro, técnicas básicas, (pizzicato, trémolo).

Tema 2: Teoría Musical I: Ritmo y Melodía. La escritura musical.
- Ritmo:
·      Conceptos de ritmo, compás y métrica. Síncopa y anacrusa. Polirritmia.
·      División y subdivisión. Tipos de compases.
·      Tempo o movimiento.
-Melodía:
·      Concepto. Carácter, contorno y ámbito de una melodía.
·      Estructuras melódicas: Periodo, Frase, semifrase y motivo
- La escritura musical:
       .   La partitura y las grafía musical. Notas de adorno: apoyaturas, mordentes, semitrinos.
       .   La trascripción y el arreglo musical

Tema 3: Conceptos generales de Teoría Musical II: Armonía.
       .  Concepto. Acordes: tipos de acordes.
       .  Tonalidad. Atonalidad. Modalidad
       .  Armadura y alteraciones.
       .  Escalas, grados y funciones tonales.
       .  Cadencias.


Tema 4: Teoría Musical III. Textura. La expresión musical
- La textura musical:
      .  Concepto
      .  Tipos de textura: Monódica, Homofónica, Melodía acompañada y Polifónica (contrapuntística e 
         imitativa).

- Elementos de la expresión musical:
      .  Dinámica y matices.
      .  El carácter.
      .  La agógica.
      .  Acentuación y articulación: Legato y staccato.
      .  Las notas de adorno: apoyatura, mordente y trino.


Tema 5: Teoría Musical IV. La Estructura Musical.
-  Concepto de estructura musical. La forma-tipo.
-  Elementos de la estructura musical: las secciones: exposición, desarrollo, puente
   reexposición.
-  Procedimientos generadores de la forma: repetición, imitación, variación y contraste.
-  Tipos de estructuras:
·        Repetición por secciones: primarias, binarias, ternarias, tipo rondó.
·        Formas basadas en la variación y basadas en la imitación.
·        Formas basadas en el desarrollo.

  
Tema 6: Sonido. Tecnología del sonido.
- El sonido. Definición. Formación  del sonido y ondas sonoras.
- Parámetros del sonido.
- La señal analógica, digital, monoaural y estereofónica.
- El sistema analógico, (la grabación y reproducción mecánica o eléctrica del sonido).
- El sistema digital:
·        El sistema Midi
·        Informática musical: el hardware (tipos de elementos periféricos) y el software  
musical.
·        Instrumentos electrónicos: el sintetizador, el secuenciador y el sampler.

PAU. Preguntas Cortas


LENGUAJE Y PRÁCTICA MUSICAL. PREGUNTAS CORTAS.

Tema 1: La voz y los Instrumentos.
El aparato fonador:
Nuestro aparato fonador funciona mediante un órgano motor: los pulmones; uno vibrador-fonador: la laringe; uno amplificador o resonador: el sistema óseo facial; y uno articulador: los elementos contenidos en la boca.

La respiración:
El aparato respiratorio es donde se produce, almacena y circula el aire. En él están los pulmones y el diafragma. En la respiración distinguimos dos fases: la inspiración y la espiración. El diafragma se baja en la espiración, (los pulmones se dilatan), y sube en la inspiración. La respiración afecta a aspectos como el fraseo y la intensidad del sonido. En la  educación vocal,  se denomina  apoyo a el tiempo de espiración y del control de la presión del aire.

La emisión:
El timbre de la voz  humana puede variar en la emisión del sonido según la posición que adopten la boca, la lengua, el velo del paladar y la abertura de los labios. Decimos que una voz está bien colocada, cuando desde su principio el sonido está bien emitido y sostenido con firmeza por medio de un soplo igual y continuo, evitando desigualdades y rupturas. Por eso es tan importante el dominio de la respiración, en particular de la espiración.

La articulación:
La articulación ayuda a una correcta pronunciación de las palabras. Para conseguirlo se debe poner especial cuidado en la colocación de las vocales y consonantes. Las vocales deben ser amplias y sonoras, y las consonantes breves y suaves. La boca tiene una función primordial en la articulación.

La frecuencia o altura de la voz:
La frecuencia del sonido producido depende sobre todo del tamaño y la masa de las cuerdas vocales, de la tensión que se les aplique y la velocidad del flujo del aire proveniente de los pulmones. A mayor  tamaño de las cuerdas vocales, menor frecuencia de vibración, lo cual explica por qué en los varones, la voz, en general, es más grave. A mayor tensión la frecuencia aumenta, siendo los sonidos más agudos.

El registro vocal:
Dentro de una misma voz hay tres registros:
- Agudo o llamado de cabeza.
- Medio.
- Grave o llamado de pecho.

Técnicas de emisión de la voz:
Pasar de un registro a otro se denomina paso de voz, que debe cubrirse para que no se note el cambio. Cuando un cantante trata de ascender hacia tonos más agudos alcanza su punto límite ante el cual tiene tres alternativas:
- Abrir el sonido: Se van tensando las cuerdas vocales. Se producirá mayor tensión en la laringe. Las consecuencias podrían ser gallos, pinchazos en la voz, formación de nódulos, etc.
- Pasar al falsete.
- Cubrir o impostar la voz.

Técnica del falsete.
El falsete es una voz más aguda que la natural, que se produce haciendo vibrar las cuerdas superiores de la laringe. Como indica su nombre es falsa. Al cantar con esta voz, la tensión de las cuerdas vocales es menor y se muestran más delgadas. Sin embargo, al usarla se produce una brusca modificación del timbre de la voz, porque se cambia del registro natural al del falsete. El sonido emitido es más ligero y débil que la voz natural; más pobre en armónicos y su timbre es de escaso brillo.

La impostación:
A esta técnica se le denomina emisión cubierta. La impostación es la técnica a través de la cual el cantante aprende a utilizar los resonadores para recibir el sonido laríngeo y colocarlo en ellos, para hacer la voz agradable y uniforme. Al usar la impostación la garganta no se fuerza. Sustituye a la técnica del falsete desde el siglo XIX.




Clasificación de las voces:
Mujeres                                Hombres                               Tesitura
Soprano                                Tenor                                     Aguda
Mezzosoprano                      Barítono                                 Media
Contralto                               Bajo                                       Grave



Clasificación de los instrumentos:
Según el procedimiento de producción del sonido: cordófonos, aerófonos, membranófonos e idiófonos.
- Según su posición o agrupación en la orquesta, es decir, su pertenencia a las diferentes  secciones orquestales: cuerdas, vientos madera y metal y percusión


Instrumentos cordófonos:
El sonido se produce mediante la vibración de las cuerdas. La longitud, la tensión y el grosor de la cuerda condiciona su altura: en cuanto más corta, más fina y más tensa, más agudo será el sonido.
Instrumentos:
-       Cuerda frotada: Violín. Viola. Violonchelo. Contrabajo.
-       Cuerda pulsada: Arpa. Guitarra.
-       Cuerda percutida: Piano

Instrumentos aerófonos:
El sonido se produce mediante la vibración de la columna de aire dentro del tubo. La longitud y el grosor del tubo determinan la altura del sonido. Los diferentes tonos se consiguen acortando el tubo tapando y destapando los agujeros con los dedos. Se clasifican según la forma en que el aire  produce la vibración.
- De embocadura: el aire vibra al chocar contra un borde afilado: Flauta travesera, Flautín, Flauta dulce, Flauta de pico.
- De lengüeta: produce la vibración del aire en el interior del tubo. Puede ser doble o simple: Clarinete, Saxofón (lengüeta simple); Oboe, Corno inglés, Fagot y Contrafagot (lengüeta doble).
- De boquilla: la acción de los labios del músico es la que hace vibrar el aire: Trompa, Trompeta, Trombón, Tuba, Corneta.

Instrumentos Membranófonos:  
El sonido se produce por la vibración de una piel o una membrana. Las vibraciones se pueden producir al golpear la membrana con las manos o mediante baquetas, macillos o escobillas: Timbal, Bombo, Caja.

Instrumentos Idiófonos:
Instrumentos  hechos de materiales que son naturalmente sonoros. Muy variados: Xilófono, Marimba, Gongs, Campanas tubulares, Gockenspiel, Caja china.

Instrumentos Electrófonos:
Son aquellos en los que el sonido se produce por medio de corrientes eléctricas, sin la existencia de vibración mecánica alguna.

Secciones orquestales:
La orquesta clásica está formada por las siguientes secciones instrumentales:
- Cuerdas: Violín. Viola. Violonchelo. Contrabajo. Arpa
- Viento-Madera: Flauta, Clarinete, Saxofón, Oboe, Corno inglés, Fagot y Contrafagot.
- Viento- metal: Trompa, Trompeta, Trombón, Tuba.
- Percusión: Timbal, Bombo, Platillo, Triángulo…

El Registro instrumental:
Extensión o parte del ámbito total de notas musicales que puede emitir una voz o un instrumento o que contiene una composición. De forma general se distinguen tres: grave, medio y agudo.


Tema 2: Conceptos generales de Teoría Musical I. Ritmo. Melodía. La escritura musical.

Ritmo:
Ritmo es la distribución de duraciones y acentos sonoros en estructuras periódicas. El factor más importante en esta organización su periodicidad. El ritmo no se escribe con pentagrama, sólo con la figura musical definitoria de la duración del sonido. La unidad de medida del ritmo es el compás.

Compás:
El compás es la división del tiempo musical en fragmentos de igual duración. En cada uno de los compases distinguimos un número de tiempos. Según el número de tiempos, los compases pueden ser binarios, ternarios y cuaternarios. La división del tiempo se representa gráficamente por unas líneas verticales, llamadas líneas divisorias, que se colocan perpendicularmente en el pentagrama. Se expresan mediante un quebrado, indicando su numerador el número de figuras con la que se completa el compás y su denominador la figura a la que se refiere el anterior.

Métrica:
Sinónimo de compás. Cuando hablamos de métrica, en música, nos estamos refiriendo a los acentos que, de forma periódica, se producen en la unidad rítmica básica, que es el pulso.


División y subdivisión:
Según el número de tiempos los compases pueden ser binarios, ternarios y cuaternarios. Cada uno de los tiempos del compás se puede subdividir: si la subdivisión  es en dos mitades, el compás es de subdivisión binaria; si la subdivisión es en tres tercios, se dice que es un compás de subdivisión ternaria. Los numeradores de los compases de subdivisión binaria son siempre el 2, el 3 y el 4. Esta cifra coincide con el número de tiempos. Los numeradores de los compases de subdivisión ternaria son el 6, el 9 y el 12. Esta cifra coincide con el número de tercios.

Polirrítmia:
Sistema rítmico en el que sobre un esquema de compases permanente se utilizan acentuaciones rítmicas diferentes, combinadas y/o superpuestas para las distintas voces. Se utiliza mucho en el Jazz.

Tempo o movimiento:
Velocidad de pulsación con que es ejecutada la obra musical. Se indica, (junto con el carácter), encima del pentagrama y al principio de la obra.

Indicaciones de tempo: de movimiento uniforme.
-       Muy despacio: Grave. Lento. Largo
-       Despacio:       Adagio
-       Tranquilo:      Andante. Moderato
-       Deprisa:         Allegro
-       Muy deprisa:   Vivo. Vivace. Presto

A todos ellos se les puede añadir:
- Superlativos: Lentissimo. Prestissimo. Vivacísimo
- Diminutivos: Larghetto. Allegretto. Andantino

Indicaciones de tempo: de movimiento gradual.
- Disminución progresiva de la velocidad: Ritardando. Rallentando
- Aumento progresivo de la velocidad: Acelerando

Indicaciones de tempo: otros tipos de cambio.
- Cambio breve y súbito: Ritenuto (retenido); Stretto (estrecho, apresurado)
- Suspensión de la regularidad del movimiento a gusto del intérprete Ad libitum. A piacere. Rubato
- Vuelta a la regularidad del movimiento: A tempo. In tempo
                                                         
Síncopa:
Efecto rítmico que tiene lugar cuando el sonido de una nota empieza dentro de un tiempo débil y se prolonga hasta uno fuerte. De esta forma podemos alterar el orden natural de los tiempos fuertes y débiles. La síncopa se produce frecuentemente por combinación de notas a través de la ligadura.

Anacrusa:
Nota o grupo de notas colocado antes de la barra de compás y por lo tanto justo antes del primer tiempo fuerte. Cuando existe anacrusa los pulsos usados se restan al último compás.
                                                                                                                    
Melodía:
Es la sucesión de sonidos de diferentes alturas y de silencios con sentido lógico-musical. La melodía es de tipo cantabile cuando se adapta a la voz humana. Las melodías de tipo instrumental, con intervalos mayores y ritmos más ricos, son de difícil ejecución para la voz humana. En la melodía se pueden reconocer frases, semifrase y motivos.

Frase:
Es la unidad melódica con sentido expresivo completo. Puede subdividirse en unidades melódicas menores. Con mucha frecuencia las frases se componen de 8 ó16 compases, subdivisibles en dos mitades o semifrases.

Semifrase:
Es la subdivisión de la frase melódica. Con mucha frecuencia las frases se componen de 8 ó16 siendo entonces la semifrase su mitad. Subdividible en motivos. La semifrase puede ser afirmativa,  (los motivos son similares), o negativa, (los motivos son contrastantes).

Motivo o Inciso:
Un motivo musical es la unidad mínima y más significativa reconocible en una frase musical. Conforma una subdivisión por debajo de la frase y de la semifrase. En el lenguaje corriente, se denomina motivo a todo dibujo melódico que adquiere cierto relieve en una obra musical. En este sentido ha sido empleada esta palabra como titulo de fragmentos musicales tales como “variaciones sobre un motivo”.

Partitura:
Texto escrito de una obra musical. En una partitura se pueden apreciar las diferentes voces o partes que intervienen, comúnmente agrupadas en sistemas, así como todas las indicaciones relativas al tempo, la dinámica, la expresión y la articulación de la obra. Existen partituras orquestales, abreviadas, etc.

Grafía:
Signos o conjunto de signos con los que se representan los sonidos musicales. Incluye la notación, el pentagrama y todos los signos por los que el intérprete se guía para la ejecución de la música.

Trascripción:
Cambio en la notación musical de un medio a otro, no modificando la "sustancia" de la obra: transferencia de una pieza antigua a la notación moderna; uso de instrumentos diferentes, etc.

Arreglo:
Manera de escribir o hacer sonar una pieza musical ya existente. Partiendo de la pieza existente, se proponen ideas musicales nuevas, aunque basadas en la pieza original, logrando que la nueva obra suene distinta de su versión original. Estas nuevas ideas pueden afectar al estilo, los instrumentos utilizados, aspectos melódicos y armónicos e incluso la estructura de la pieza original.



Tema 3: Conceptos generales de Teoría Musical II: Armonía.

Armonía:
Es la organización simultánea o vertical del sonido. La herramienta de la armonía es el acorde, que se puede utilizar como acompañamiento de la melodía, pero que también se forma naturalmente al coincidir los diferentes ingredientes sonoros que intervienen en cada momento.

Acorde:
Superposición de dos o más sonidos en intervalos de tercera. De estos sonidos el más importante, que da nombre al acorde, es el más grave y se denomina nota fundamental. Según la disposición de las notas que forman un acorde diremos que éste está en su estado fundamental o en su 1ª  ó 2ª inversión. En base a los acordes se desarrolla la estructura armónica de una composición.

Tonalidad:
Relación que existe entre varios sonidos y uno principal llamado tónica. Los siete sonidos de una escala diatónica tienen entre ellos una relación predeterminada. Existen 24 tonalidades diferentes, que se corresponden con los 12 sonidos de nuestro sistema musical, en los modos mayor y menor. Existen dos tonalidades “modelo”: Do Mayor y La menor, que son las dos escalas resultantes al utilizar las notas en su estado natural.

Atonalidad:
Literalmente significa “sin tonalidad”. Es el sistema musical que no está sujeto a las normas de la tonalidad y que por lo tanto prescinde de toda relación de los tonos de una obra con uno fundamental o tónica. Surge en el siglo XX como reacción a la música académica europea entre los siglos XVI al  XX.

Modalidad:
Es la manera de presentarse cada tonalidad. Decimos que nuestro sistema musical es tonal-bimodal. Hay dos: el modo mayor y el modo menor, que se diferencian por la posición de sus tonos y semitonos. La diferencia entre ambos se da sobre todo en el intervalo de 3ª que separa el grado de I del III. En el modo mayor es de 2 tonos y en el modo menor de 1 tono y 1 semitono.

Grados:   
Cada uno de los acordes que se forman a partir de las notas de una escala.  A cada nota de la escala se le considera como la fundamental del acorde. Estos grados se representan mediante numeración romana: I tónica; II supertónica;  III mediante;  IV subdominante; V dominante;  VI superdominante; VII sensible. Los grados más utilizados son el I, IV y V. Son los llamados grados tonales.

Funciones tonales:
Cada uno de los grados, (acordes), de una tonalidad cumple una misión o función dentro del sistema tonal. Las tres funciones básicas son las de tónica, dominante y subdominante, que se explican en términos de tensión-relajación o de movimiento-reposo.
-       tónica es el más importante, por ser el que da nombre a la tonalidad. La sensación de reposo en él es la máxima. Todas las obras terminan en el acorde de tónica. 
-       dominante es el que más genera tensión, su movimiento natural es hacia la tónica.
-       subdominante generalmente prepara y hace más efectiva la función de la dominante.

Cadencias:
Secuencia de acordes que se usan en cada uno de los finales parciales o totales de una obra musical. Con la cadencia se indica el final o la continuidad del discurso musical. Existen dos tipos principales:
- Conclusivas: que siempre terminan en el I grado,  como la cadencia perfecta , (V a I).
- Suspensivas: generalmente acaban en el V grado, como la semicadencia (II  a V ).

Armadura:
Agrupación de alteraciones, propias a cada la tonalidad, que se encuentra al principio del pentagrama de una obra musical, después de la clave y antes del compás. Éstas alteraciones sirven para indicarnos en qué tonalidad está la partitura musical. Su efecto dura hasta el final de la obra o hasta que haya un cambio de tonalidad. Su efecto puede cambiar temporalmente si son anuladas por una alteración llamada becuadro.

Alteraciones:
Son unos símbolos gráficos que colocamos al lado izquierdo de las notas musicales, modificando su altura de la siguiente manera:
-       El sostenido sube medio tono la nota.
-       El bemol baja medio tono la nota.
-       El becuadro sirve para anular el efecto de alteración.

Hay dos tipos de alteraciones, las propias y las accidentales:
-       Las propias indican las alteraciones correspondientes a cada tonalidad. Aparecen al principio de la partitura, en la armadura y su efecto dura para toda la obra.
-       Las accidentales aparecen a lo largo de la obra musical en notas diferentes de la armadura. Su efecto dura tan sólo durante el compás en el que aparecen.

Escala:
Sucesión correlativa de sonidos de diferentes alturas. Existen diferentes tipos de escala, la más importante es la escala diatónica, formada por los siete sonidos de las notas de nuestro sistema musical: do, re, mi, fa, sol, la, si y do. Esta escala tiene cinco tonos y dos semitonos, estando los semitonos siempre de “mi” a “fa” y de “si” a “do”. Otros ejemplos son la escala cromática, con los doce sonidos de nuestro sistema musical, o la pentatónica, formada por cinco sonidos.


Tema 4: Conceptos generales de Teoría Musical III. Textura. La expresión musical

Textura:
Es el tejido sonoro. Coincidencia de  diferentes ingredientes sonoros, o forma de relacionarse de las diversa voces que intervienen en una pieza musical. La textura puede ser de diferentes tipos: Monódica; Homofónica; Melodía acompañada, y Polifónica.

Textura Monódica:
Una sola línea melódica, sin armonía ni acompañamiento. Se produce cuando suena una sola voz o instrumento o cuando en un coro o grupo de instrumentos cantan todas las voces la misma melodía al unísono.

Melodía acompañada:
Textura en la que destaca una melodía sobre un acompañamiento. La melodía acompañada experimentó un desarrollo importante con el nacimiento de la Ópera y en Italia durante el Barroco. Fue habitual en la música del Clasicismo, y del siglo XIX, Romanticismo. Es la predominante en la música tradicional y popular actual.

Homofonía:
Una sola melodía interpretada por diferentes voces pero a distintas alturas, formando acordes y moviéndose simultáneamente con el mismo ritmo. Usualmente la voz conductora está en la voz superior. Esto se contrapone a la polifonía en donde las voces tienen independencia rítmica y melódica. Propia de los himnos.

Polifonía:
Textura formada por varias líneas melódicas interpretadas simultáneamente por diferentes voces o instrumentos. Las diferentes partes tienen independencia rítmica y melódica no existiendo preponderancia de ninguna de ellas.
Tipos:
- La polifonía contrapuntística: las diferentes voces tienen absoluta independencia en su diseño rítmico, melódico e incluso en el texto.
- La polifonía imitativa: muy usada en el barroco, es un tipo especial de polifonía contrapuntística en la que una voz presenta un motivo melódico que es sucesivamente imitado por las restantes voces, pudiendo variar el tiempo o la forma en que se produce esta imitación.

La expresión musical:
Fórmula “no medible” de la interpretación musical en la que intervienen diferentes aspectos como el tempo o movimiento, (y con ello la agógica), la dinámica, el carácter y la acentuación y la articulación. Desde el siglo XVIII se generalizó el empleo del italiano para todo lo referente a la expresión musical.

La dinámica:
Variación de la intensidad sonora en una frase y entre las diversas frases que componen una pieza musical. La dinámica tiene que ver con los matices.

Matices:
Distintos grados o niveles de intensidad de los sonidos de una obra musical. Existen términos de matiz uniforme y términos de gradación del matiz:
- Matiz uniforme: Muy suave: Pianissimo, (pp). Suave: Piano, (p). Medio suave:  Mezzopiano, (mp). Medio fuerte:  Mezzoforte, (mf). Fuerte: Forte, (f). Muy fuerte: Fortísimo, (ff).
- Gradación de la intensidad sonora: Crescendo. Decrecendo o Diminuendo. (Aumento o disminución progresiva de la intensidad). Se  pueden indicar gráficamente mediante los Reguladores.

Agógica (en relación con el Tempo o movimiento):
Suma de pequeñas alteraciones o modificaciones en la interpretación del tiempo musical, para evitar caer en la mecanización o monotonía y lograr su adecuada “expresión”. Este término fue  introducido por el musicólogo Hugo Riemann. Deriva de la palabra griega “agogé”, que indicaba conducción o dirección del tempo.

Carácter:
Es el modo en que el compositor desea que se interprete su música. Muy relacionado con el movimiento, aunque de interpretación más subjetiva que éste. Se indica al principio de la obra junto con el movimiento (Allegro appassionato). Alguno de los términos más usados para indicarlo son: Affetuoso  (Afectuoso); Agitato (Agitado); Amabile (Amable); Appassionato (Apasionado); Cantabile (Cantable); Con anima (Con alma); Con fuoco (Con fuego); Lugubre (Lúgubre); Maestoso (Majestuoso); Malincolico (Melancólico); Patetico (Patético); Risoluto (Resuelto); Scherzando (Jugueteando; Sostenuto (Sostenido); Strepitoso (Con estrépito); Teneramente (Tiernamente)

Acentuación y articulación:
Indican la forma de ejecución de los sonidos.
Legato (ligado): Una ligadura que abarca varias notas. Indica que éstas deben ejecutarse ligadas entre sí; sin silencio perceptible entre dos notas.
Staccato (destacado): Un punto o una pequeña v colocados sobre las notas. Indica que éstas deben ejecutarse separadamente; existe espacio o silencio entre las notas.

Notas de adorno:
Son pequeñas notas que se colocan antes o a continuación de la nota principal, o nota real y que no tienen duración por sí mismas, sino que la toman de la nota real. Son recursos ornamentales. Las más usadas son: la apoyadura, el trino y el mordente.

La apoyatura:
Una o dos notas pequeñas colocadas antes de la principal y un tono por abajo o por arriba de ésta. Una sola nota, se llama breve. Dos notas, (semicorcheas), se llama doble.

El mordente:
Se indica con un símbolo en forma de “W”. El mordente puede ser superior, cuando la nota de la que parte está un tono por encime de la nota real; o inferior, cuando la nota de la que parte está un tono por debajo de la nota real.

El trino:
Es la repetición de dos notas de forma rápida. Las dos notas tienen que estar a intervalo de un tono o medio tono. El símbolo que representa este adorno son las letras "tr".



Tema 5: Conceptos generales de Teoría Musical III. La Estructura Musical.

Estructura o forma musical:
Es la disposición y orden de una obra musical.

Procedimientos para la organización de la estructura o forma musical:
- La Repetición: se retoman ideas o partes. Las partes son iguales
  (La Imitación es un tipo de repetición con la modificación de alguna característica,     
  casi  siempre, de tipo tonal).
- La Variación: se modifican ideas o partes. Las partes son similares
- El Contraste: ideas y partes se enfrentan entre sí. Las partes son opuestas

Forma- tipo:
Las formas-tipo son modelos de estructuras musicales estandarizadas que se han creado en algún momento de la historia. La fuga, la sonata, el rondó, la suite, el concierto son algunos ejemplos de ello.

Secciones:
Son las diferentes partes que pueden distinguirse en una obra musical.
-       Introducción. Anticipa alguna de las características de la obra, (tempo, tonalidad, carácter, …).
-       Exposición. Aparición de los temas principales.
-       Desarrollo. Sigue a la anterior; reelaboración del material de la exposición.
-       Puente: corto periodo de enlace entre diferentes secciones.
-       Reexposición: reaparición del materia de la exposición.
-       Coda: parte final y conclusiva de la obra.

Tipos de estructura o formas musicales:
Formas basadas en la repetición por secciones. Formas basadas en la variación. Formas basadas en la imitación. Formas basadas en el desarrollo.

Formas basadas en la repetición por secciones:
-       Primarias: formadas por una sola sección.
-       Binarias: formadas por dos secciones diferentes que suelen repetirse; AA-BB.
-       Ternarias: formadas por tres secciones, una de las cuales se repite; ABA.
-       Rondó: repetición en forma de “rueda”, una sección se alterna con las restantes; ABACA..)

Formas basadas en la variación:
Tema con variaciones, (recreación melódica sobre un mismo tema).

Formas basadas en la imitación:
El canon o la fuga, (características del barroco).

Formas basadas en el desarrollo:
La sonata, (creada en el clasicismo).


Tema 6: Sonido. Tecnología del sonido.

Sonido:
Sensación percibida en el oído, producida por la vibración que se propaga en un medio elástico en forma de ondas. Para que se produzca un sonido es necesaria la existencia de un emisor o cuerpo vibrante; un medio elástico transmisor de esas vibraciones, (el aire); un receptor que capte dichas vibraciones, (el oído). El sonido viaja en forma de ondas a través del aire. La amplitud de la onda representa su volumen o intensidad.  La frecuencia de la onda representa la altura del sonido, (ésta se mide en Hercios: HZ)

Cualidades del sonido:
Son los cuatro aspectos que nos permiten definir cómo es un sonido:
-       La intensidad: nos permite identificar los sonidos como fuertes o suaves, pues es la fuerza o volumen del sonido. Depende de la amplitud de la onda;  a mayor amplitud, más fuerte suena el sonido.
-       La altura: nos permite identificar los sonidos como graves o agudos. Depende de la frecuencia o número de vibraciones por segundo; a mayor frecuencia, más agudo suena el sonido.
-       La duración: nos permite identificar los sonidos como largos o breves. El sonido será tan largo como sea la onda.
-       El timbre: nos permite diferenciar las voces e instrumentos. También llamado “color del sonido”, distingue el sonido característico de cada una de las voces o instrumentos.

Sistema analógico.
Es el primer sistema para la grabación y reproducción del sonido, en él se registran cuantitativamente las variaciones sonoras. Comienza con la grabación y reproducción mecánica, (Gramófono y el Fonógrafo). Entre 1920 y 1925 se introduce el uso de la electricidad para grabar y reproducir los sonidos, (Tocadiscos y el Magnetófono).

El sistema digital.
Es el segundo métodos o sistemas para la grabación y reproducción del sonido. Surge a finales de la década de 1970. El sonido digital no se almacena mediante oscilaciones de onda, sino que se ha de convertir en ceros y unos; lenguaje digital, (código binario o máquina). Necesita de un convertidor analógico/ digital. El principal sistema de audio digital es el CD.

Elementos para la reproducción del sonido:
Necesita de tres componentes básicos:
-       Micrófono: recoge la señal sonora y la convierte en impulsos eléctricos.
-       Amplificador: aumenta la potencia de la señal eléctrica procedente del micrófono.
-       Altavoz : recibe la señal eléctrica del amplificador y la transforma de nuevo en ondas sonoras.

Grabación monoaural y estereofónica:
La grabación monoaural es aquella que tiene una sola fuente de sonido, es decir, es monofónica. Fue la que usó en un principio el sistema analógico. La grabación estereofónica separa la distribución del sonido en dos o más canales diferenciados. A partir de 1960 este sistema está generalizado.

Instrumentos electrónicos.
Son aquellos en los que el sonido se produce por medio de corrientes eléctricas, sin la existencia de vibración mecánica alguna. Los principales son: sintetizador, secuenciador, sampler, batería electrónica, caja de ritmos...

El Sintetizador
No es propiamente un instrumento sino un conjunto de elementos electrónicos que permiten la elaboración, manipulación y proyección del sonido. Su denominación responde a su capacidad para realizar “síntesis” de sonidos, es decir, crear ondas complejas correspondientes a sonidos ya existentes o nuevos mediante la superposición o adición de ondas simples.

El secuenciador
Es un aparato que permite almacenar y después reproducir una determinada secuencia de datos.  De esta forma es capaz de controlar diversos instrumentos electrónicos para hacerles tocar simultáneamente. Mediante el secuenciador se puede grabar, reproducir y mezclar varias pistas de sonido para elaborar un producto perfecto.

El Sampler
Transcripción (informática) de los sonidos naturales.. También llamado Emulador. Es capaz de imitar cualquier sonido preexistente y hacerlo sonar, modificando cualquiera de sus características iniciales, (timbre, velocidad, intensidad y altura del sonido), haciendo que el sonido inicial se convierta en otro distinto.

El MIDI
Es un sistema universal de comunicación digital que surgió de la aplicación de la informática al control de instrumentos electrónicos. Permite la comunicación entre los distintos instrumentos electrónicos y posibilita el intercambio de información entre estos y un ordenador. El MIDI transmite los mensajes a través de los llamados cables MIDI o conectores DIN, de característico diseño.

El hardware musical.
Está formado por  los elementos físicos, visibles u ocultos, que forman parte del material del sistema, entre ellos los periféricos (de “entrada” o de “salida”, como discos, llave USB, pantalla, altavoces, teclado…) y las tarjetas de sonido, dispositivos de hardware que, integrados en un ordenador, emulan el funcionamiento de instrumentos y dispositivos electrónicos.

El software musical.
Está formado por los elementos  lógicos, constituidos por el conjunto de programas o instrucciones que necesita el ordenador para poder realizar y coordinar sus operaciones. El software musical más frecuente está destinado a cuatro aplicaciones fundamentales: la educación musical, la composición, la edición de partituras y el tratamiento del sonido.