LENGUAJE Y PRÁCTICA MUSICAL.
PREGUNTAS CORTAS.
Tema 1: La voz y los
Instrumentos.
El aparato fonador:
Nuestro aparato fonador funciona mediante un órgano motor: los pulmones; uno vibrador-fonador:
la laringe; uno amplificador o resonador:
el sistema óseo facial; y uno articulador:
los elementos contenidos en la boca.
La respiración:
El aparato respiratorio es donde se produce, almacena y circula el
aire. En él están los pulmones y el diafragma. En la respiración distinguimos dos
fases: la inspiración y la espiración. El diafragma se baja en la espiración,
(los pulmones se dilatan), y sube en la inspiración. La respiración afecta a aspectos
como el fraseo y la intensidad del sonido. En la educación vocal, se denomina
apoyo a el tiempo de
espiración y del control de la presión del aire.
La emisión:
El timbre de la voz humana puede variar en la emisión del sonido
según la posición que adopten la boca, la lengua, el velo del paladar y la abertura
de los labios. Decimos que una voz está bien colocada, cuando desde su principio
el sonido está bien emitido y sostenido con firmeza por medio de un soplo igual
y continuo, evitando desigualdades y rupturas. Por eso es tan importante el
dominio de la respiración, en particular de la espiración.
La articulación:
La articulación ayuda a una correcta
pronunciación de las palabras. Para conseguirlo se debe poner especial cuidado
en la colocación de las vocales y consonantes. Las vocales deben ser amplias y
sonoras, y las consonantes breves y suaves. La boca tiene una función
primordial en la articulación.
La frecuencia o altura de la
voz:
La frecuencia del sonido producido
depende sobre todo del tamaño y la masa de las cuerdas vocales, de la tensión
que se les aplique y la velocidad del flujo del aire proveniente de los
pulmones. A mayor tamaño de las cuerdas
vocales, menor frecuencia de vibración, lo cual explica por qué en los varones,
la voz, en general, es más grave. A mayor tensión la frecuencia aumenta, siendo
los sonidos más agudos.
El registro vocal:
Dentro de una misma voz hay tres registros:
- Agudo o llamado de cabeza.
- Medio.
- Grave o llamado de pecho.
Técnicas de emisión de la
voz:
Pasar de un registro a otro se denomina paso de voz, que debe cubrirse para que
no se note el cambio. Cuando un
cantante trata de ascender hacia tonos más agudos alcanza su punto límite ante
el cual tiene tres alternativas:
- Abrir el sonido: Se van tensando las cuerdas vocales. Se
producirá mayor tensión en la laringe. Las consecuencias podrían ser gallos, pinchazos
en la voz, formación de nódulos, etc.
- Pasar al falsete.
- Cubrir o impostar la voz.
Técnica del falsete.
El falsete es
una voz más aguda que la natural, que se produce haciendo vibrar las cuerdas
superiores de la laringe. Como indica su nombre es falsa. Al cantar con esta
voz, la tensión de las cuerdas vocales es menor y se muestran más delgadas. Sin
embargo, al usarla se produce una brusca modificación del timbre de la voz,
porque se cambia del registro natural al del falsete. El sonido emitido es más
ligero y débil que la voz natural; más pobre en armónicos y su timbre es de
escaso brillo.
La impostación:
A esta técnica
se le denomina emisión cubierta. La impostación
es la técnica a través de la cual el cantante aprende a utilizar los
resonadores para recibir el sonido laríngeo y colocarlo en ellos, para hacer la
voz agradable y uniforme. Al usar la impostación la garganta no se fuerza.
Sustituye a la técnica del falsete desde el siglo XIX.
Clasificación de las voces:
Mujeres Hombres Tesitura
Soprano Tenor Aguda
Mezzosoprano Barítono Media
Contralto Bajo Grave
Clasificación de los
instrumentos:
- Según el procedimiento de
producción del sonido: cordófonos, aerófonos, membranófonos e idiófonos.
- Según su posición o agrupación en
la orquesta, es decir, su pertenencia a las diferentes secciones orquestales: cuerdas, vientos madera y metal y percusión
Instrumentos cordófonos:
El sonido se produce mediante la vibración de las cuerdas. La longitud,
la tensión y el grosor de la cuerda condiciona su altura: en cuanto más corta,
más fina y más tensa, más agudo será el sonido.
Instrumentos:
-
Cuerda frotada: Violín. Viola.
Violonchelo. Contrabajo.
-
Cuerda pulsada: Arpa. Guitarra.
-
Cuerda percutida: Piano
Instrumentos aerófonos:
El sonido se produce mediante la vibración de la columna de aire dentro
del tubo. La longitud y el grosor del tubo determinan la altura del sonido. Los
diferentes tonos se consiguen acortando el tubo tapando y destapando los
agujeros con los dedos. Se clasifican según la forma en que el aire produce la vibración.
- De embocadura: el aire vibra al chocar contra un borde afilado: Flauta
travesera, Flautín, Flauta dulce, Flauta de pico.
- De lengüeta: produce la vibración del aire en el interior del tubo.
Puede ser doble o simple: Clarinete, Saxofón (lengüeta simple); Oboe, Corno
inglés, Fagot y Contrafagot (lengüeta doble).
- De boquilla: la acción de los
labios del músico es la que hace vibrar el aire: Trompa, Trompeta, Trombón,
Tuba, Corneta.
Instrumentos
Membranófonos:
El sonido se produce por la vibración de una piel o una membrana. Las
vibraciones se pueden producir al golpear la membrana con las manos o mediante
baquetas, macillos o escobillas: Timbal, Bombo, Caja.
Instrumentos
Idiófonos:
Instrumentos
hechos de materiales que son naturalmente sonoros. Muy variados: Xilófono, Marimba, Gongs, Campanas tubulares,
Gockenspiel, Caja china.
Instrumentos Electrófonos:
Son aquellos en los que el sonido se produce por medio de corrientes
eléctricas, sin la existencia de vibración mecánica alguna.
Secciones orquestales:
La orquesta clásica está formada por las siguientes secciones
instrumentales:
- Cuerdas: Violín. Viola. Violonchelo. Contrabajo. Arpa
- Viento-Madera: Flauta, Clarinete, Saxofón, Oboe, Corno inglés, Fagot
y Contrafagot.
- Viento- metal: Trompa, Trompeta, Trombón, Tuba.
- Percusión: Timbal, Bombo, Platillo, Triángulo…
El Registro instrumental:
Extensión o parte del ámbito total de notas musicales que puede emitir
una voz o un instrumento o que contiene una composición. De forma general se
distinguen tres: grave, medio y agudo.
Tema
2: Conceptos generales de Teoría Musical I. Ritmo. Melodía. La escritura
musical.
Ritmo:
Ritmo es la distribución de duraciones y acentos sonoros en estructuras
periódicas. El factor más importante en esta organización su periodicidad. El ritmo no se escribe con
pentagrama, sólo con la figura musical definitoria de la duración del sonido.
La unidad de medida del ritmo es el compás.
Compás:
El compás es la división del tiempo musical en fragmentos de igual
duración. En cada uno de los compases distinguimos un número de tiempos. Según el número de tiempos, los
compases pueden ser binarios, ternarios y cuaternarios. La división del tiempo se representa gráficamente por
unas líneas verticales, llamadas líneas
divisorias, que se colocan perpendicularmente en el pentagrama. Se expresan
mediante un quebrado, indicando su numerador el número de figuras con la que se
completa el compás y su denominador la figura a la que se refiere el anterior.
Métrica:
Sinónimo de compás. Cuando hablamos de métrica, en música, nos estamos
refiriendo a los acentos que, de forma periódica, se producen en la unidad
rítmica básica, que es el pulso.
División y subdivisión:
Según el número de tiempos los compases pueden ser binarios, ternarios y cuaternarios. Cada
uno de los tiempos del compás se puede subdividir: si la subdivisión es en dos mitades, el compás es de subdivisión
binaria; si la subdivisión es en tres tercios, se dice que es un
compás de subdivisión ternaria. Los numeradores de los compases
de subdivisión binaria son siempre el 2, el 3 y el 4. Esta cifra coincide con
el número de tiempos. Los numeradores de los compases de subdivisión ternaria
son el 6, el 9 y el 12. Esta cifra coincide con el número de tercios.
Polirrítmia:
Sistema rítmico en el que sobre un esquema de compases permanente se
utilizan acentuaciones rítmicas diferentes, combinadas y/o superpuestas para
las distintas voces. Se utiliza mucho en el Jazz.
Tempo
o movimiento:
Velocidad de pulsación con que es ejecutada la
obra musical. Se indica, (junto con el carácter), encima del pentagrama y al
principio de la obra.
Indicaciones
de tempo: de movimiento uniforme.
-
Muy despacio: Grave. Lento. Largo
-
Despacio: Adagio
-
Tranquilo: Andante. Moderato
-
Deprisa: Allegro
-
Muy deprisa: Vivo. Vivace. Presto
A todos ellos se les puede añadir:
- Superlativos: Lentissimo. Prestissimo. Vivacísimo
- Diminutivos: Larghetto. Allegretto. Andantino
Indicaciones
de tempo: de movimiento gradual.
- Disminución progresiva de
la velocidad: Ritardando. Rallentando
- Aumento progresivo de la
velocidad: Acelerando
Indicaciones
de tempo: otros tipos de cambio.
- Cambio breve y súbito: Ritenuto (retenido); Stretto (estrecho, apresurado)
- Suspensión de la regularidad del movimiento
a gusto del intérprete Ad libitum. A piacere. Rubato
- Vuelta a la regularidad del
movimiento: A tempo. In tempo
Síncopa:
Efecto rítmico que tiene lugar cuando el sonido de una nota empieza
dentro de un tiempo débil y se prolonga hasta uno fuerte.
De esta forma podemos alterar el orden
natural de los tiempos fuertes y débiles. La síncopa se produce
frecuentemente por combinación de notas a través de la ligadura.
Anacrusa:
Nota o grupo de notas
colocado antes de la barra de
compás y por lo tanto justo antes del primer tiempo fuerte. Cuando
existe anacrusa los pulsos usados se restan al último compás.
Melodía:
Es la sucesión de sonidos de diferentes
alturas y de silencios con sentido lógico-musical. La melodía es de tipo cantabile cuando se adapta a la voz
humana. Las melodías de tipo instrumental,
con intervalos mayores y ritmos más ricos, son de difícil ejecución para la voz
humana. En la melodía se pueden reconocer frases, semifrase y motivos.
Frase:
Es la unidad melódica con sentido expresivo
completo. Puede subdividirse en unidades melódicas menores. Con mucha
frecuencia las frases se componen de 8 ó16 compases, subdivisibles en dos
mitades o semifrases.
Semifrase:
Es la subdivisión de la frase melódica. Con mucha frecuencia las frases
se componen de 8 ó16 siendo entonces la semifrase su mitad. Subdividible en motivos. La semifrase puede ser afirmativa, (los motivos son similares), o negativa, (los motivos son
contrastantes).
Motivo o Inciso:
Un motivo musical es la unidad mínima y más significativa reconocible
en una frase musical. Conforma una subdivisión por debajo de la frase y de la
semifrase. En el lenguaje corriente, se denomina motivo a todo dibujo melódico
que adquiere cierto relieve en una obra musical. En este sentido ha sido
empleada esta palabra como titulo de fragmentos musicales tales como “variaciones
sobre un motivo”.
Partitura:
Texto escrito de una
obra musical. En una partitura se pueden apreciar las diferentes voces o partes
que intervienen, comúnmente agrupadas en sistemas,
así como todas las indicaciones relativas al tempo, la dinámica, la expresión y
la articulación de la obra. Existen partituras orquestales, abreviadas, etc.
Grafía:
Signos o conjunto de
signos con los que se representan los sonidos musicales. Incluye la notación,
el pentagrama y todos los signos por los que el intérprete se guía para la
ejecución de la música.
Trascripción:
Cambio en la notación
musical de un medio a otro, no modificando la "sustancia"
de la obra: transferencia de una pieza antigua a la notación moderna; uso de
instrumentos diferentes, etc.
Arreglo:
Manera de escribir o hacer sonar una pieza musical ya existente. Partiendo
de la pieza existente, se proponen ideas musicales nuevas, aunque basadas en la
pieza original, logrando que la nueva obra suene distinta de su versión
original. Estas nuevas ideas pueden afectar al estilo, los instrumentos
utilizados, aspectos melódicos y armónicos e incluso la estructura de la pieza
original.
Tema 3: Conceptos generales de Teoría Musical II:
Armonía.
Armonía:
Es la organización simultánea o vertical del sonido. La herramienta de
la armonía es el acorde, que se puede
utilizar como acompañamiento de la melodía, pero que también se forma
naturalmente al coincidir los diferentes ingredientes sonoros que intervienen en
cada momento.
Acorde:
Superposición de dos o más sonidos en intervalos de tercera. De estos
sonidos el más importante, que da nombre al acorde, es el más grave y se
denomina nota fundamental. Según la
disposición de las notas que forman un acorde diremos que éste está en su
estado fundamental o en su 1ª ó 2ª
inversión. En base a los acordes se desarrolla la estructura armónica de una
composición.
Tonalidad:
Relación que existe entre varios sonidos y uno principal llamado
tónica. Los siete sonidos de una escala diatónica tienen entre ellos una
relación predeterminada. Existen 24 tonalidades diferentes, que se corresponden
con los 12 sonidos de nuestro sistema musical, en los modos mayor y menor.
Existen dos tonalidades “modelo”: Do Mayor y La menor, que son las dos escalas
resultantes al utilizar las notas en su estado natural.
Atonalidad:
Literalmente significa “sin tonalidad”. Es el sistema musical que no
está sujeto a las normas de la tonalidad y que por lo tanto prescinde de toda
relación de los tonos de una obra con uno fundamental o tónica. Surge en el
siglo XX como reacción a la música académica europea entre los siglos XVI
al XX.
Modalidad:
Es la manera de presentarse cada tonalidad. Decimos que nuestro sistema
musical es tonal-bimodal. Hay dos: el modo mayor y el modo menor, que se
diferencian por la posición de sus tonos y semitonos. La diferencia entre ambos
se da sobre todo en el intervalo de 3ª que separa el grado de I del III. En el
modo mayor es de 2 tonos y en el modo menor de 1 tono y 1 semitono.
Grados:
Cada uno de los acordes que se forman a partir de las notas de una
escala. A cada nota de la escala se le considera como
la fundamental del acorde. Estos grados se representan mediante
numeración romana: I tónica; II supertónica;
III mediante; IV subdominante; V dominante; VI superdominante; VII sensible. Los grados
más utilizados son el I, IV y V. Son los llamados grados tonales.
Funciones tonales:
Cada uno de los grados, (acordes), de una tonalidad cumple una misión o
función dentro del sistema tonal. Las tres funciones básicas son las de tónica,
dominante y subdominante, que se explican en términos de tensión-relajación o
de movimiento-reposo.
-
tónica es el más importante, por ser el que da
nombre a la tonalidad. La sensación de reposo en él es la máxima. Todas las
obras terminan en el acorde de tónica.
-
dominante es el que más genera tensión, su
movimiento natural es hacia la tónica.
-
subdominante generalmente prepara y hace más
efectiva la función de la dominante.
Cadencias:
Secuencia de acordes que se usan en cada uno de los finales parciales o
totales de una obra musical. Con la cadencia se indica el final o la continuidad
del discurso musical. Existen dos tipos principales:
- Conclusivas: que siempre terminan en el I grado, como la cadencia
perfecta , (V a I).
- Suspensivas: generalmente acaban en el V grado, como la semicadencia (II a V ).
Armadura:
Agrupación de alteraciones, propias
a cada la tonalidad, que se encuentra al principio del pentagrama de una
obra musical, después de la clave y antes del compás. Éstas alteraciones sirven
para indicarnos en qué tonalidad está la partitura musical. Su efecto dura
hasta el final de la obra o hasta que haya un cambio de tonalidad. Su efecto puede
cambiar temporalmente si son anuladas por una alteración llamada becuadro.
Alteraciones:
Son unos símbolos gráficos que colocamos al lado izquierdo de las notas
musicales, modificando su altura de la siguiente manera:
-
El sostenido sube medio tono la
nota.
-
El bemol baja medio tono la nota.
-
El becuadro sirve para anular el
efecto de alteración.
Hay dos tipos de alteraciones, las propias y las accidentales:
-
Las propias indican las alteraciones correspondientes a cada tonalidad.
Aparecen al principio de la partitura, en la armadura y su efecto dura para
toda la obra.
-
Las accidentales aparecen a lo largo de la obra musical en notas
diferentes de la armadura. Su efecto dura tan sólo durante el compás en el que
aparecen.
Escala:
Sucesión correlativa de sonidos de diferentes alturas. Existen
diferentes tipos de escala, la más importante es la escala diatónica, formada por los siete sonidos de las notas de
nuestro sistema musical: do, re, mi, fa, sol, la, si y do. Esta escala tiene
cinco tonos y dos semitonos, estando los semitonos siempre de “mi” a “fa” y de
“si” a “do”. Otros ejemplos son la escala
cromática, con los doce sonidos de nuestro sistema musical, o la pentatónica, formada por cinco sonidos.
Tema 4: Conceptos generales de Teoría Musical III.
Textura. La expresión musical
Textura:
Es el tejido sonoro.
Coincidencia de diferentes ingredientes
sonoros, o forma de relacionarse de las diversa voces que intervienen en una
pieza musical. La textura puede ser de diferentes tipos: Monódica; Homofónica; Melodía acompañada, y Polifónica.
Textura Monódica:
Una sola línea melódica, sin armonía ni acompañamiento. Se produce cuando
suena una sola voz o instrumento o cuando en un coro o grupo de instrumentos
cantan todas las voces la misma melodía al unísono.
Melodía acompañada:
Textura en la que destaca una melodía sobre un acompañamiento. La
melodía acompañada experimentó un desarrollo importante con el nacimiento de la
Ópera y en Italia durante el Barroco. Fue habitual en la música del Clasicismo,
y del siglo XIX, Romanticismo. Es la predominante en la música tradicional y
popular actual.
Homofonía:
Una sola melodía interpretada por diferentes voces pero a distintas
alturas, formando acordes y moviéndose simultáneamente con el mismo ritmo. Usualmente
la voz conductora está en la voz
superior. Esto se contrapone a la polifonía en donde las voces tienen independencia
rítmica y melódica. Propia de los himnos.
Polifonía:
Textura formada
por varias líneas melódicas interpretadas simultáneamente por diferentes voces
o instrumentos. Las diferentes partes tienen independencia rítmica y melódica
no existiendo preponderancia de ninguna de ellas.
Tipos:
- La polifonía contrapuntística: las diferentes voces tienen absoluta
independencia en su diseño rítmico, melódico e incluso en el texto.
- La polifonía imitativa: muy usada en el barroco, es un tipo especial de
polifonía contrapuntística en la que una voz presenta un motivo melódico que es
sucesivamente imitado por las restantes voces, pudiendo variar el tiempo o la
forma en que se produce esta imitación.
La expresión musical:
Fórmula “no medible” de la interpretación musical en la que intervienen
diferentes aspectos como el tempo o movimiento, (y con ello la agógica), la dinámica, el carácter y
la acentuación y la articulación. Desde
el siglo XVIII se generalizó el empleo del italiano para todo lo referente a la
expresión musical.
La
dinámica:
Variación de la intensidad sonora en una frase y entre las diversas
frases que componen una pieza musical. La dinámica tiene que ver con los matices.
Matices:
Distintos grados o niveles de intensidad de
los sonidos de una obra musical. Existen términos de matiz uniforme y términos
de gradación del matiz:
- Matiz uniforme: Muy suave: Pianissimo, (pp). Suave: Piano, (p). Medio suave: Mezzopiano,
(mp). Medio fuerte: Mezzoforte, (mf). Fuerte: Forte,
(f). Muy fuerte: Fortísimo, (ff).
- Gradación de la intensidad sonora:
Crescendo. Decrecendo o Diminuendo.
(Aumento o disminución progresiva de la intensidad). Se pueden indicar gráficamente mediante los Reguladores.
Agógica
(en relación con el Tempo o movimiento):
Suma de pequeñas alteraciones o modificaciones en
la interpretación del tiempo musical, para evitar caer en la mecanización o monotonía
y lograr su adecuada “expresión”. Este término fue introducido por el musicólogo Hugo Riemann.
Deriva de la palabra griega “agogé”, que indicaba conducción o dirección del
tempo.
Carácter:
Es el modo en que el compositor desea que se interprete su música. Muy
relacionado con el movimiento, aunque de interpretación más subjetiva que éste.
Se indica al principio de la obra junto con el movimiento (Allegro appassionato). Alguno de los términos más usados para
indicarlo son: Affetuoso (Afectuoso); Agitato (Agitado); Amabile (Amable);
Appassionato (Apasionado); Cantabile (Cantable); Con anima (Con alma); Con fuoco (Con fuego); Lugubre (Lúgubre); Maestoso (Majestuoso); Malincolico
(Melancólico); Patetico (Patético);
Risoluto (Resuelto); Scherzando (Jugueteando; Sostenuto (Sostenido); Strepitoso (Con estrépito); Teneramente (Tiernamente)
Acentuación
y articulación:
Indican la forma de ejecución de los sonidos.
- Legato (ligado): Una ligadura que abarca
varias notas. Indica que éstas deben ejecutarse ligadas entre sí; sin silencio
perceptible entre dos notas.
- Staccato (destacado): Un punto o una pequeña v colocados sobre las notas. Indica que éstas deben ejecutarse
separadamente; existe espacio o silencio entre las notas.
Notas
de adorno:
Son pequeñas notas que se colocan antes o a
continuación de la nota principal, o nota
real y que no tienen duración por sí mismas, sino que la toman de la nota real.
Son recursos ornamentales. Las más usadas son: la apoyadura, el trino y
el mordente.
La apoyatura:
Una o dos notas pequeñas colocadas antes de la principal y un tono por
abajo o por arriba de ésta. Una sola
nota, se llama breve. Dos
notas, (semicorcheas), se llama doble.
El mordente:
Se indica con un símbolo en forma de “W”. El mordente puede ser superior,
cuando la nota de la que parte está un tono por encime de la nota real; o inferior, cuando la nota de la que parte está un tono por debajo de la
nota real.
El trino:
Es la repetición de dos notas
de forma rápida. Las dos notas
tienen que estar a intervalo de un tono o medio tono. El símbolo que
representa este adorno son las letras "tr".
Tema 5: Conceptos
generales de Teoría Musical III. La Estructura Musical.
Estructura o forma musical:
Es la disposición y orden de una obra musical.
Procedimientos para la
organización de la estructura o forma musical:
- La Repetición: se retoman
ideas o partes. Las partes son iguales
(La Imitación es un tipo de repetición con la modificación de alguna
característica,
casi siempre, de tipo tonal).
- La Variación: se modifican
ideas o partes. Las partes son similares
- El Contraste: ideas y
partes se enfrentan entre sí. Las partes son opuestas
Forma- tipo:
Las formas-tipo son modelos
de estructuras musicales estandarizadas que se han creado en algún momento de
la historia. La fuga, la sonata, el rondó, la suite, el concierto son algunos
ejemplos de ello.
Secciones:
Son las diferentes partes que pueden distinguirse en una obra musical.
-
Introducción. Anticipa alguna de
las características de la obra, (tempo, tonalidad, carácter, …).
-
Exposición. Aparición de los temas
principales.
-
Desarrollo. Sigue a la anterior;
reelaboración del material de la exposición.
-
Puente: corto periodo de enlace
entre diferentes secciones.
-
Reexposición: reaparición del
materia de la exposición.
-
Coda: parte final y conclusiva de
la obra.
Tipos de estructura o formas
musicales:
Formas basadas en la repetición por secciones. Formas basadas en la
variación. Formas basadas en la imitación. Formas basadas en el desarrollo.
Formas basadas en la
repetición por secciones:
-
Primarias: formadas por una sola
sección.
-
Binarias: formadas por dos secciones diferentes que suelen repetirse; AA-BB.
-
Ternarias: formadas por tres
secciones, una de las cuales se repite; ABA.
-
Rondó: repetición en forma de
“rueda”, una sección se alterna con las restantes; ABACA..)
Formas basadas en la
variación:
Tema con variaciones, (recreación melódica sobre un mismo tema).
Formas basadas en la
imitación:
El canon o la fuga, (características del barroco).
Formas basadas en el
desarrollo:
La sonata, (creada en el
clasicismo).
Tema 6: Sonido. Tecnología
del sonido.
Sonido:
Sensación percibida en el oído, producida por la vibración que se
propaga en un medio elástico en forma de ondas. Para que se produzca un sonido
es necesaria la existencia de un emisor o cuerpo vibrante; un medio elástico transmisor
de esas vibraciones, (el aire); un receptor que capte dichas vibraciones, (el
oído). El sonido viaja en forma de ondas a través del aire. La amplitud de la onda representa su volumen o intensidad. La frecuencia de la onda representa la altura del sonido, (ésta se mide en
Hercios: HZ)
Cualidades del sonido:
Son los cuatro aspectos que nos permiten definir cómo es un sonido:
-
La intensidad: nos permite
identificar los sonidos como fuertes
o suaves, pues es la fuerza o volumen
del sonido. Depende de la amplitud de la onda;
a mayor amplitud, más fuerte suena el sonido.
-
La altura: nos permite identificar los
sonidos como graves o agudos. Depende de la frecuencia o
número de vibraciones por segundo; a mayor frecuencia, más agudo suena el
sonido.
-
La duración: nos permite identificar los
sonidos como largos o breves. El sonido será tan largo como
sea la onda.
-
El timbre: nos permite diferenciar las
voces e instrumentos. También llamado “color del sonido”, distingue el sonido
característico de cada una de las voces o instrumentos.
Sistema analógico.
Es el primer sistema para la grabación y reproducción del sonido, en él
se registran cuantitativamente las
variaciones sonoras. Comienza con la grabación y reproducción mecánica, (Gramófono y el Fonógrafo).
Entre 1920 y 1925 se introduce el uso de la electricidad para grabar y reproducir
los sonidos, (Tocadiscos y el Magnetófono).
El sistema digital.
Es el segundo métodos o sistemas para la grabación y reproducción del
sonido. Surge a finales de la década de 1970. El sonido digital no se almacena
mediante oscilaciones de onda, sino que se ha de convertir en ceros y unos;
lenguaje digital, (código binario o máquina). Necesita de un convertidor analógico/ digital. El
principal sistema de audio digital es el CD.
Elementos para la
reproducción del sonido:
Necesita de tres componentes básicos:
-
Micrófono: recoge la señal sonora y la
convierte en impulsos eléctricos.
-
Amplificador: aumenta la potencia de la señal
eléctrica procedente del micrófono.
-
Altavoz : recibe la señal eléctrica del
amplificador y la transforma de nuevo en ondas sonoras.
Grabación monoaural y
estereofónica:
La grabación monoaural es
aquella que tiene una sola fuente de
sonido, es decir, es monofónica. Fue la que usó en un principio el sistema
analógico. La grabación estereofónica
separa la distribución del sonido en dos o más canales diferenciados. A partir
de 1960 este sistema está generalizado.
Instrumentos electrónicos.
Son aquellos en los que el sonido se produce por medio de corrientes
eléctricas, sin la existencia de vibración mecánica alguna. Los principales
son: sintetizador, secuenciador, sampler, batería electrónica, caja de
ritmos...
El Sintetizador
No es propiamente un instrumento sino un conjunto de elementos
electrónicos que permiten la elaboración, manipulación y proyección del sonido.
Su denominación responde a su capacidad para realizar “síntesis” de sonidos, es
decir, crear ondas complejas correspondientes a sonidos ya existentes o nuevos
mediante la superposición o adición de ondas simples.
El secuenciador
Es un aparato que permite almacenar y después reproducir una
determinada secuencia de datos. De esta
forma es capaz de controlar diversos instrumentos electrónicos para hacerles
tocar simultáneamente. Mediante el secuenciador se puede grabar, reproducir y
mezclar varias pistas de sonido para
elaborar un producto perfecto.
El Sampler
Transcripción (informática) de los sonidos naturales.. También llamado Emulador. Es capaz de imitar cualquier
sonido preexistente y hacerlo sonar, modificando cualquiera de sus
características iniciales, (timbre, velocidad, intensidad y altura del sonido),
haciendo que el sonido inicial se convierta en otro distinto.
El MIDI
Es un sistema universal de comunicación digital que surgió de la
aplicación de la informática al control de instrumentos electrónicos. Permite
la comunicación entre los distintos instrumentos electrónicos y posibilita el
intercambio de información entre estos y un ordenador. El MIDI transmite los
mensajes a través de los llamados cables
MIDI o conectores DIN, de
característico diseño.
El hardware musical.
Está formado por los elementos
físicos, visibles u ocultos, que forman parte del material del sistema, entre
ellos los periféricos (de “entrada” o
de “salida”, como discos, llave USB, pantalla, altavoces, teclado…) y las tarjetas de sonido, dispositivos de
hardware que, integrados en un ordenador, emulan el funcionamiento de
instrumentos y dispositivos electrónicos.
El software musical.
Está formado por los elementos
lógicos, constituidos por el conjunto de programas o instrucciones que
necesita el ordenador para poder realizar y coordinar sus operaciones. El
software musical más frecuente está destinado a cuatro aplicaciones
fundamentales: la educación musical, la composición, la edición de partituras y
el tratamiento del sonido.
